Интервю: артистката Джейн Лий
Сингапурската художничка Джейн Лий е известна с иновативната си работа в картините. Тя непрекъснато обръща традиционната среда на главата си, изследвайки нови възможности за представяне на картини като произведения на изкуството, неограничени от ограниченията на платното.
За наскоро завършената си резиденция в Сингапурския печат институт на Тайлер (STPI), Джейн взе почивка от рисуването в полза на експерименти с други медии и създаде нов труд, който ще изненада и зарадва публиката, запозната с миналите й творби.
Art Republik седна с Джейн, за да научи повече за любовта си към рисуването, за развитието на работата й през годините и за шоуто си „Свободно свободно“ в STPI, което ще се проведе по време на Седмицата на изкуството в Сингапур по-рано тази година.
Състояние, 2009г
Как се развива работата ви през годините? Какво променя работата ви от парче на парче?
Нямах идея, че ще стана художник на пълен работен ден; Бях искала да стана моден дизайнер. Така че така или иначе започнах с рисуването. Идеята на рисуването е, че това е двуизмерен обект на стената, но постепенно виждах моята картина като инсталации. За мен стената, върху която е монтирана картината, е част от работата, защото каквото и да е около картината, взаимодейства с нея.
Какво прави рисуването толкова завладяващо средство за работа?
Харесвам цвят и харесвам усещането да си играя с боя. Дори миризмата на боя ми харесва. Преди около 10 години, когато се заех сериозно с рисуването, започнах да разпитвам каква е същността на рисуването. Запитах се дали има други начини за правене на картини и разгледах традиционния процес и техники, които влизат в създаването на картина. Така започнах да играя със медиума.
Клетъчни птици, 2015г
Бихте ли ни разгледали в процеса на създаване на произведение на изкуството, от концепцията до изпълнението?
Аз съм много практичен човек. Когато за първи път започнах да рисувам по традиционния начин, планирах много и щях да седна и да създам композиции за моите творби. Всичко това се промени през 1999 г., когато отидох в Лондон, за да разбера повече за съвременното изкуство. Посетих семинар, в който преподавателят хвърляше боя на пода върху пода и инструктирах класа да просто играе. Това беше очи за отваряне за мен. И това стана това, което исках да правя. Бях разбрал, че по времето, когато планирам всичко, наистина няма да има живот в работата. Започнах да ходя повече с инстинктите си и да играя.
Как да разберете кога е завършено произведение на изкуството?
Предполагам, че произведение на изкуството никога не може наистина да бъде завършено. Ако едно дело ми говори, то се прави. Той е по-емоционален, отколкото интелектуален. Говоря много с картината си. Това е интерактивен процес. Картините са по някакъв начин живи, въпреки че не говорят. Те имат определени тенденции. Между художника и произведението в процеса на създаване на изкуство се водят някакви преговори.
Направи ме безплатно VI, 2015
Как мислите за избора на инструментите, които използвате за изработка на вашите произведения на изкуството?
Традиционно картините се правят с помощта на четки и по-често биха разказали история. Намирам инструменти от ежедневието си, като кухненски прибори, за да направя своето изкуство.
Бихте ли ни разгледали в процеса на изработка на произведение на изкуството?
Е, на сутринта, когато стигна до моето ателие, може би се чувствам доста щастлив и искам да използвам яркочервено, но с напредването на деня и може би слушам песни, тогава настроението ми може да се промени и тогава моята картина може да се окаже малко тъмно. Не обичам да насилвам нещо да се случи. В известен смисъл развитието на едно произведение зависи от това как се чувствам в определен ден.
Колко време ви отнема да завършите художествено произведение?
За големи работи може да отнеме от шест месеца до една година. Понякога работя на парче и след това на половината път няма енергиен поток и затова бих го оставил настрана за момента и се връщам към него на по-късна дата.
Навиване VI, 2015
Изхвърляте ли някакви произведения?
Много.
Как решавате какво да запазите?
Просто знаеш.
Процесът на правене на вашите произведения на изкуството е по-важен от външния вид на крайния продукт?
Бих казал, че ако е на 100%, процесът се брои за 80%, а крайният продукт - за 20%.
Искате ли хората да са любопитни за процеса?
Разбира се. Би било чудесно да погледнете отвъд повърхността и цветовете. Искам да ги накарам да задават повече въпроси относно рисуването като среда и за процеса на правене на картина.
100 лица, 2014 г.
Бихте ли говорили за ежедневието си като артист?
Започвам деня си с йога и медитация. Това е важно, за да ме държи повече в тон със себе си. След това отивам в студиото си и започвам да работя. Как работя, зависи от крайните срокове. Ако бързам и трябва да работя много интензивно, да речем за соло шоу, тогава бих отказал да се върна в студиото след това доста дълго време. Това каза, че умът ми винаги мисли, оглежда се, търси вдъхновение от ежедневието си, независимо дали е от сутрешна разходка или в разговор с някого.
Търсите вдъхновение да отидете в музея или да посетите изложби на други художници?
Всъщност избягвам да виждам твърде много творби на други художници. Ако видите твърде много, понякога определени неща, които харесвам, ще проникнат подсъзнателно в работата ми. Ежедневието е моят източник на вдъхновение, независимо дали е от сутрешна разходка или в разговор с някого. Неща, които виждам около себе си, какво казват хората - това са малките неща, които са ми източници на вдъхновение.
Имали ли сте изпълнители, на които сте потърсили, когато за пръв път сте започнали?
Това ще е Робърт Райман. Това, което е увлекателно за него, е, че не е художник, като тренира. Мисля, че тъй като няма тежестта да знае какво трябва да прави художник, той е в състояние да излезе със своите освежаващи произведения на изкуството.
Пробуждане, 2015г
Но смятате ли, че е важно първо да научите основите?
Мисля, че основополагащите знания могат да послужат на художника добре в предоставянето на техническо ноу-хау, например при смесване на цветове. Въпреки това, след като се усвоят тези умения, вероятно едва когато бъдат отпаднали, може да се създаде нещо ново.
Какво идва първо: заглавията на вашите картини или самите картини? Как заглавията, като „Статус“ (2009), който се намира в постоянната колекция на Музея на изкуствата в Сингапур, или „100 лица“, показани на вашата самостоятелна изложба в галерия Sundaram Tagore, Сингапур, работят заедно с вашите картини на общувате с публиката?
Със „Статус“ разпитвах за състоянието на картината. Един от кураторите ми каза за Биеналето в Сингапур 2008 г., че ще бъда единственият изложител на художници. Този разговор остана при мен. Струва ми се изненадващо, че имаше толкова малко художници на художествената сцена, когато повечето художници вероятно започнаха да се обучават като художници. Тогава си мислех, че може би рисуването като среда е мъртво и вече няма място за игра. Произведението е изследване на състоянието на живописта в регионалната съвременна сцена на изкуството.
Със „100 лица” си спомням, че мислех, че хората искаха да показват големи картини, които бяха много тежки. Реших да разбия работата си на 100 по-малки и по-малко тежки парчета, които могат да бъдат събрани в голяма картина. В допълнение, това беше коментар за това как една картина може да има много лица или че може да има много начини за създаване на картина и освен това, че хората имат различни герои, които се появяват в компанията на различни хора.
Споделяте ли тези истории за създаването на тези произведения на изкуството с широката публика?
Обикновено не бих споделил, макар че ако хората питаха, ще се радвам. Не искам да налагам твърде много на зрителя и да диктувам това, което виждат в произведенията на изкуството.
Само момент, 2015г
Нека да поговорим за вашите нови творби в STPI, които не са фокусирани върху картините. Това е ново направление за вас Това съзнателно решение ли е?
От известно време исках да се махна от рисуването, но не намерих извинение за това. Мислех, че това ще е добър шанс да проуча всичко освен рисуването и да използвам добре съоръженията на STPI. Добре беше, че бях поканен по това време.
Защо заглавието „Свободно, свободно“?
Исках положително заглавие за шоуто. Моят подход към правенето на изкуството ми е щастлив. Да бъдеш в капан и да си свободен са две теми в изложбата. Например със серията „Coiling“ процесът на навиване на хартията може да даде на човек усещането, че е в капан. Щифтите в намотките дават по-силен визуален израз на задържане. В някои от произведенията има птици, седящи на щифтовете, които биха могли да се разглеждат като символи на свободата.
Освен хартиените работи, в шоуто сте работили и с акрил. Как стана това?
Екипът на STPI е много отворен към идеи. Реших да експериментирам свободно и включих видео и анимация, както и комбинирана хартия с други носители, като хартия със звук и хартия с акрил.
Как екипът на STPI тласна вашата артистична практика?
През по-голямата част от кариерата си съм работил сам в студиото си. Често, когато имам тези малки луди идеи, ако съм само аз, би било трудно и може да отнеме по-дълго време и не ми достига да работя по тях. Работата тук в STPI ме измъкна от моята зона на комфорт. Способният екип от хора тук ми помогна да се замисля и да видя възможностите и идеите ми можеха да бъдат реализирани за много кратко време.
Мислите ли, че след това шоу, ще подходите към практиката си по различен начин?
Аз съм художник по сърце и все още има място за игра с боя. Относно какъв вид рисуване и дали ще е подобно на това, което съм правил, не съм сигурен. Това, което открих тук в STPI, със сигурност би имало някакво въздействие, но в момента не мога да отговоря какво бих направил. Харесва ми идеята да не знам. Ако вече знам, не бих го направил. Искам да развълнувам и зарадвам зрителя, но за да го направя, първо трябва да направя това за себе си.
История кредити
Текст от Надя Ванг
Тази статия първоначално е публикувана в Art Republik.
Изображения любезно предоставени от STPI
